Statt einer eigenen Rezension hier ein Rezensionsbericht zu Walter Pohls Werk „Die Völkerwanderung. Eroberung und Integration“. Die Kritiken zu dem Buch fallen insgesamt positiv aus.

So befindet beispielsweise Klaus Keller in der benediktinischen Monatsschrift „Erbe und Auftrag“, Pohls Arbeit stelle auch und gerade für thematische Einsteiger eine „anregende und spannende Lektüre“[1] dar. Auch Matthias Hardt lobt das Buch in der „Zeitschrift für Geschichtswissenschaft“ als „eine Einführung, die weite Verbreitung verdient hat.“[2]

Trotz des offensichtlich als Zielgruppe ausgemachten breiteren Publikums wird Pohl von Andreas Goltz in „Das Historisch-Politische Buch“ eine über reine Darstellung hinausgehende Arbeit bescheinigt: „Pohl führt in die Quellenproblematik ein, setzt sich kritisch mit zentralen Begriffen wie ‚Volk’ auseinander und erläutert das Konzept der Ethnogenese [...].“[3] Ulrich Lambrecht bringt in einer Sammelrezension für die Website „Peklos“ diese Dialektik zwischen einer gewissen Massenkompatibilität ohne größere Vereinfachungen auf den Punkt: Das Buch „eröffnet den Zugang zu einem neuen Verständnis dieser Zeit, durch das mehr Fragen aufgeworfen als gelöst werden.“

Trotz einiger Meinungverschiedenheiten zu Detailfragen – so moniert Andreas Golz die Qualität der angehängten Karten und fürchtet, dass das Fehlen von Abbildungen interessierte Leser möglicherweise zu weniger fundierten greifen lasse, während Matthias Hardt die angehängten Karten in einem Atemzug mit weiteren positiven Aspekten des Buches nennt – fällt das Urteil der Kritiker insgesamt positiv aus. Neben der Attraktivität auf eine breitere Öffentlichkeit wie Fachleute werden vor allem die differenzierte Betrachtungsweise Pohls und seine Vermittlung aktueller Forschungsstände hervorgehoben.

Über sechzig Jahre nach der Ermordung von etwa sechs Millionen europäischen Jüdinnen und Juden ist der Antisemitismus noch lange nicht von der Bildfläche verschwunden. Im Gegenteil, die antijüdischen Klischees leben weiter und tauchen sogar in neuen Kontexten auf, etwa wenn sich arabische Medien Bildern wie dem des „Ritualmordes“ bedienen, die eigentlich dem christlichen Antijudaismus entstammen.

Derartige Vorurteile zu widerlegen und ihre Hintergründe aufzuzeigen, hat sich Peter Waldbauer in seinem Lexikon der antisemitischen Klischees zur Aufgabe gemacht. Dabei gelingt es dem ehemaligen Börsenmakler einerseits überzeugend, viele antisemitische Gedankengebäude zum Einsturz zu bringen und Vorurteile gezielt und sachlich mit statistischen Werten zu widerlegen – insbesondere in Bezug auf die Zwangssituation der Jüdinnen und Juden in den mittelalterlichen Herrschaftsverhältnissen. mehr

Diese Rezension wurde bereits in der iz3w veröffentlicht und ist in voller länge auf der offiziellen Website zu lesen. 

Ich weilte einst in den Niederlanden (in den Niederlanden, nicht in Belgien, haha), als ich eine längst überfällige Anschaffung tätigte: „Bad“ von Michael Jackson.
Was mich, Besitzer der größten Punkrockplatten-Kollektion meines Heimatdorfes, dazu bewegte, war eine Art privates 90er-Revival. Ganz Recht, 90er-Revival. Denn als „Bad“ 1987 erschien, war ich finanziell nicht in der Lage, diesen Longplayer zu erwerben und psychisch nicht in der Lage, irgendetwas mit diesem anzufangen. Und so erinnert mich die Musik nicht an die 80er, sondern an die frühen 90er Jahre und das Cover an das diesem nachempfundene Plakat, das im Gemeindekeller hing, wo mein Onkel einst auflegte.
Und damit genug von nostalgischen Schachtelsätzen.
Die Platte wurde damals, in den 80ern, von der Kritik relativ stiefmütterlich behandelt – und da ich einen gewissen Ultramontanismus gegenüber professionellen Musikjournalisten an den Tag lege, kann ich mich dem nur anschließen.
Hauptwert dieses Longplayers ist eigentlich die Tatsache, das man ihn als Kultobjekt im Schrank stehen haben sollte. Musikalisch hat Michael Jackson vorher und nachher bessere Releases an den Tag gelegt; auf „Bad“ gibt es nur drei Songs, die mich überzeugen: Der als Single ausgekoppelte Titelsong, „Dirty Diana“ und „Smooth Criminal“.
Zu „Bad“ braucht man nicht mehr viel sagen, der Song ist einfach rund. Es sind Details an denen ich mich aufhänge, die Synthie-Snare etwa oder die großartige Bridge. Dies gilt auch für meinen zweiten Fave des Longplayers. An „Dirty Diana“ fasziniert mich vor allem der düstere, aber sehr einfach gestrickte Basslauf und weniger die Tatsache, dass er aufgrund der Namenskongruenz mit der damals noch unter den Lebenden weilenden britischen Prinzessin etwas unglaublich skandalöses und verruchtes hatte.
„Smooth Criminal“s Stärke relativiert sich ein bisschen an der großartigen Coverversion, die Alien Ant Farm einst von dem Stück anfertigten. Dennoch – wäre ich Bravo-Redakteur, wäre dies mein dritter ‚Anspieltipp’.
Das ich hingegen von Songs wie „Liberian Girl“ eher weniger angetan bin, lässt sich vielleicht mit meinen sonstigen musikalischen Vorlieben erklären. Andererseits wirken Songs wie dieser gegenüber den von mir sehr geschätzten ‚Delfonics’ wie Heavy Metal. Der große Restteil der Platte ist langweilig und hat keine markanten Stellen, ,keine Highlights. „Bad“ bringt es deshalb bei mir nur selten zu mehr als Hintergrundgedudel. Irgendwelche Zwangsneurosen sagen mir allerdings, dass die CD dennoch in keinem Plattenschrank feheln darf.

Philip Aubreville

Ja ja, Liveaufnahmen und Punk – da könnte man jetzt selbstverständlich auf Slime in Pankenhallen verweisen oder auf die Terrorgruppe und ihre Blechdose. Das wäre hiermit getan!
Zwischen diesen beiden Alben, die von Musikhistorikern gerne mit Etiketten wie Meilenstein beklebt werden, erschien 1991 eine weniger beachtete „Livemitschneidung“ (A. Kurth/ Wizo) von der Pforzheimer Band The Lennons. Der Nachteil: Livemitschnitte waren in den 90ern genauso miserabel wie sie es heute auch noch sind; und wenn es sich nicht grad um Bands wie Tokio Hotel handelt, bestehen ja sogar bei Bands wie den „Prog-Punkern“ Angels and Airwaves qualitative Unterschiede zwischen Live- und Studiovariante eines Songs.

Der Vorteil: Auf „Lebendig gefressen“ sind alle Smasher versammelt, die zwischen 1981 (Bandgründung) und 1991 (Release, s.o. du Schulschwänzer) geschrieben, eingespielt und aufgenommen wurden. Oder nur einzelne dieser Aspekte.

Das ich in die Lennons verliebt bin, hatte ich ja schon erwähnt und auch hier geht mir einer ab: Der König ist tot z.B. ist ein verdammt geiler Song, andere wie „Gewalt auf Video“ kennt man zwar evtl. schon von den zuvor veröffentlichten Singles – als Livevariante rocken die Dinger aber auch gewaltig.
Wer also auf Livealben steht oder seiner dahingehende Defloration erleben möchte, sollte sich vertrauensvoll an diese Platte wenden. Oder den entsprechenden Dealer, falls er/sie/es NICHT objektophil ist.

Philip Aubreville

“Das Große spiegelt sich im Kleinen” konstatierte einst der Freundeskreis-Frontmann Max Herre und so lässt sich vortrefflich darüber streiten, ob Prinz Pi lediglich den gleichnamigen Song der Absoluten Beginner oder die Gattung im Allgemeinen meinte, als er rhetorisch fragte: „Wer will Liebeslieder?“
Wie auch immer, der Subtext ist klar und selbst die Ärzte reduzieren so manchen ihrer Lovesongs gelegentlich auf die Hälfte.

Anders Hi-Standard: Deren Veröffentlichung Love is a Battlefield ist eine Konzept-EP die kein anderes Thema kennt, als das, welches gemeinhin mit Herzchen symbolisiert wird.

Als ich mir die CD damals bei meinem Kleinstadt-Plattendealer bestellte, wollte ich eigentlich nur mal einen handfesten Tonträger der japanischen Poppunk-Band in den Händen halten –die 17 Euro waren da auch egal.

Was ich damals nicht wusste war, wie verdammt teuer eine Platte mit vier Songs sein kann. Und dennoch: Der Kauf hat sich gelohnt; allein wegen des Smashers „My first kiss“.

Aber von Anfang an… Opener der EP ist der Song „This is love“, der den ‘Nachteil’ hat, bereits auf der Website von Hi-Standards US-Label Fatwreck kostenlos zum Download bereitzustehen und somit zumindest von meiner Seite schon relativ tot gehört wurde. Nichtsdestotrotz ist da Stück kein Schlechtes – Hi-Standard sind eine der wenigen Bands, die Begriffe wie „sweet heart“ benutzen dürfen ohne spontane Aggressionen auszulösen.

Es folgt das bereits erwähnte Liedchen „My first kiss“ – einer der besten Lovesongs, der jemals geschrieben wurde. Auch wenn Authenzitäts-Fans die Tatsache etwas stören dürfte, dass der Verfasser des Songs gar nicht die Band selbst, sondern von ein gewisser Toshiharu Jitsukawa ist…
Dennoch: Dieser Song hat etwas vom Soundtrack zur großen Liebe; mehr muss an dieser Stelle nicht gesagt werden.

Stück Nummer drei kann da nicht mithalten, ist aber dennoch nicht zu verachten. „Catch a wave“ beschreibt mit seiner Kürze nicht nur den durchschnittlichen ersten Sex deutscher Teenager, sondern ist mit seiner diese Kürze verursachenden hohen Geschwindigkeit auch der am ehesten mit dem Attribut „Punkrock“ zu behaftende Song der EP. Sänger Ken Yokoyama kommt mit neun (teilweise kongruenten) Zeilen aus, die allesamt übrigens nichts mit dem gleichnamigen Beach Boys-Klassiker zu tun haben.

Gecovert wird an anderer Stelle: „Can´t help falling in love“ kannte man bisher von Elvis Presley; Hi-Standard drehen aber auch hier gewaltig am Geschwindkeitsregler und schließen ihren netten Tonträger mit einem „Punk meets Old School“ ab, wie man es sonst vor allem von Me first and the gimme gimmes kennt.

Insgesamt also eine gelungene EP, deren Erwerb man vielleicht aber etwas billiger gestalten sollte, als ich es damals tat.

Philip Aubreville

Hehe, allein das Cover dieser Platte ist am Roggen wie Getreide (um mal Fettes Brot zu zitieren) und will so gar nicht zum Klischeetriefenden Titel passen. Mit „Anarchie“, übrigens ihrer Abschieds-Platte, haben First Doom meiner Meinung nach ihr bestes Werk vorgelegt. Der Widerspruch Titel/Cover wird im Introsong „Was heißt Punk“ näher beleuchtet, wobei sich einige Ska-Einflüsse zeigen. Es folgt der gerade zu philosophische Song „Träume nicht dein Leben“ (einer meiner Faves) ehe man eine multipler Orgasmus-beim-Deutschlehrer verursachende Formulierung findet, die auch noch allen aus der Seele spricht: „Deutschland sucht den Superstar und findet ihn zum Kotzen!“ (Deutschland sucht den Superdepp).

Die Songs wechseln sich musikalisch, textlich und emotional ab, zwischen Himmelhochjauchzend (Summer Sunshine holiday) und Todtraurigbetrübt (Gebrochene Brücken) . Und mit L´ignorant wird sogar die Fremdsprachenfraktion bedient (und der Frauengesangsfanklub) , mit Affentango die Moloko Plus Fans. Angereichert wird das Album noch durch nette Hörspiel-Samples, lediglich der „Neue Medizin“ Remix verleiht der Platte ein wenig Singlecharakter, ähnlich wie der Livetrack auf dem aktuellen blink 182 Album..

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Unterm Strich aber, wie gesagt, der beste First Doom Release ever…

Philip Aubreville

Diese Rezension wurde außerdem auf der Website von F+B Records veröffentlicht.

Wer mit nur vier Songs eine Gesamtspielzeit von 28:50 Minuten (also über 7 Minuten pro Lied im Schnitt) erreicht und Songtexte dem „Zustand des Speisesbreis, bevor der Schluckreflex einsetzt“ widmet, ist gewöhnlich Mitglied einer Psychiatrie- Hausband…
Nun handelt es sich bei Skhepsis zwar um eine süddeutsche, aber dennoch nicht um eine geisteskranke Band… wobei mir das aktuelle Attest noch nicht vorliegt, hehe
De facto ist die „Paula Karotti“ EP aber der krankeste und abgefuckteste Scheiß den ich seit langem gehört hab. Der vierminütige Titelsong, dem die Feministische Partei DIE FRAUEN bestimmt Sexismus vorwerfen würde, wirkt allerdings fast noch poppig, wenn z.B. der zweite Song dem besagten Speisebrei tatsächlich volle 11:53 zur Verfügung stellt. Richtig geil kommt ein auf der Tracklist dahinter gedrucktes „Single Edit“ – da kann Detlef D. Soest sich nur noch im Kreis drehen.

Der zweite Teil der EP wird zur Verwurstung bisheriger Tophits verwendet, so interpretier ich das mal als Super-Germanist ein bisschen über…

„Tollwut“ (8:00) macht im Zeitalter von Waldsterben und Bodenversiegelung deutlich, das der von den Ärzten in „Claudia“ missbrauchte Schäferhund auch durchaus durch einen Fuchs ersetzt werden kann. Ich als Reimgenie möchte allerdings noch anmerken, dass sich ein „richtig gut“ auf Tollwut nicht so knorke reimt wie es „voll gut“ täte… Aber Skhepsis passen in kein Schema….

Außer vielleicht der letzte Song, der sich textlich an Reinhard Mey anlehnt (behauptet jedenfalls das Booklet), während die Reggea-Dub-Whatever-Mucke dem großartigen Jan Delay huldigt (oder auch Wizos „R.A.F“ wie mein Radiocompanjero neulich vermutete..?).
Insgesamt (oh yeah, das Fazit) ist der Tonträger wohl nix für Britney Spears Fans, aber ein hörbares Experiment für alle Neugierigen.

Philip Aubreville

Diese Rezension wurde außerdem auf der Website von F+B Records veröffentlicht.

Das gute alte Sex Pistols Zitat, dass ja auch die aktuelle NoFx -Single ziert als Bandnamen zu verwenden zeugt schon mal von einer anständigen Einstellung – ebendiese wird dann im Verlauf des Tonträgers „Zeit vergeht“ auch des öfteren verdeutlicht. Blöd dabei ist, dass eigentlich gute Gedanken manchmal ein wenig platt und phrasenhaft wirken, Slime lässt grüßen. Nur: dafür ist auch der Mitgröleffekt gegeben, der ja auch was für sich hat.
Musikalisch liefert die Band auf der hiesigen Platte soliden Punkrock ab und auch wenn das Ettiket „Deutschpunk“ sicher zutrifft, sind die Songs abwechslungsreich: Der Opener „Entmündigung“ ist zwar beispielsweise ein Paradebeispiel für den oben genannten Stil, für Stücke wie „Der kleine Spruch“ oder „Gerechtigkeit“, die ihre Nachdenklichkeit auch über die Musik transportieren möchte man am liebsten den Genre-Neologismus „Deutsch-Emo“ erfinden, ohne ekelhafte und beleidigende Vergleiche mit von manchen derartig etikettierten Bands wie Tomte oder Tocotronic anstellen zu wollen. Der siebte und damit letzte Song, „Schluß mit lustig“ ist wiederum, trotz des Namens, ein netter Funpunksong. Insgesamt ne nette Platte, erschienen auf BSE Records.

Philip Aubreville

Diese Rezension wurde außerdem auf der Website von F+B Records veröffentlicht.

Der Name ist Programm bei dieser Single – sämtliche positiven Denkschemata, die von Hippies und anderen Altphilologen, Drogenbaronen sowie Großgrundbesitzern verbreitet werden, werden mit genialem Wortwitz schon in den Songtiteln ad absurdum geführt: „Leck“ eine Aufforderung, die so manchem Pornofan das Wasser im Munde zusammen laufen lassen dürfte, wird zu „Leck mich am Arsch“, was dem ein oder anderen auch das Wasser im Munde zusammen lassen laufen dürfte – mir jedoch nicht und mein Absolutheitsanspruch lässt mich deshalb die oben genannte These vertreten? Du kommst nicht mehr mit? Weiter geht’s! Dem Wort „Liebe“, von der Kirche gerne mal auf Mann und Frau sowie südamerikanischer Diktator und Folterkammern reduziert setzten die Pforzheimer das „Leid“ entgegen: „Wer lieben will muss leiden“. Dem ein oder anderen vielleicht aus der letzten Beziehung bekannt…Dem spätestens seit dem SAT 1-Film vor allem bei ehemaligen DDR-Bürgern äußerst beliebtem Begriff „Tunnel“ wird das zumindest von Blendgranaten-Opfern als äußerst schmerzhafte „Licht“ entgegengesetzt und in logischer Konsequenz dieser Dialektik wird das doppeldeutige Wort „Ende“ (positiv: „Ende ist ein schönes Wort“, A. Kurth/ Wizo; negativ: „Wintersonnenwende„) für den Song „Das Ende“ benutzt.
Dieser Wortwitz wird auch in den Songtexten weiter praktiziert, gepaart mit geilen Punkrockriffs. Trotz der verwendeten Wortfelder hält sich Melancholie jedoch in Grenzen, die erwähnten Riffs sorgen zum größten Teil eher für eine gesunde Wutstimmung. Wer die 90er trotz MCD überlebt hat und nach wie vor auf ´7 steht, dem sei diese Single ans Herz gelegt.

Philip Aubreville

Es gibt kaum einen Longplayer, den ich so sehr mit einer Klassenfahrt verbinde, Nonstopaggropop von der Terrorgruppe. Damals, Bad Sachsa im Harz 2000…

Aber weg von privat hin zu publik. 1997 veröffentlichte die zu diesem Zeitpunkt gerade einmal vier Jahre alte (und mittlerweile aufgelöste) Berliner Punkband „Terrorgruppe“ ihre bis daher veröffentlichten Singles inklusive B-Seiten auf einer, so genannte „Punkcerealien“ auf einer anderen von zwei CDs.

Was bis dahin an 7 Inches und Maxi-CDs zusammengekommen war, kann sich sehen lassen. Bereits Wizo-Sänger Axel Kurth lobte die Band einst explizit für ihre „ersten beiden Singles“ und tatsächlich startet die chronologisch geordnete Single-Kollektion mit Krachern wie „Abenteuer Bundeswehr“ oder „Der blöde Chef“ fulminant.

Aber auch spätere Veröffentlichungen sind nicht zu verachten: Neben allseits bekannten und mitgegrölten Smashern wie „Keine Airbags für die CSU“ oder „Nazis im Haus“ sind es gerade die unbekannteren Stücke, die B-Seiten, die die Compilation so hörenswert machen. Was manchem als Stumpfpunk erscheint, löst bei mir völlig kontextlose Assoziationen aus – „CDU“ hört sich an wie ein Herbst in den 70er oder 80er Jahren unter den Lichtern einer Großstadt, wohingegen das „Tresenlied“ eher zum Jägermeister in einer – zum Beispiel Harzer – Dorfkneipe passt. 2000 habe ich Jägermeister als Mittel der politischen Auseinandersetzung allerdings noch abgelehnt. Es sind vermutlich vor allem die Riffs der zweiten Gitarre bzw. des Bass, die einem erfahrungsfremde Gedankenverknüpfungen bescheren.

Apropos Verknüpfung: Was man so alles mit Punkrock verknüpfen kann, wird auf Nonstopaggropop mehrfach deutlich gemacht: Der alte Rolling Stones-Smasher „As tears go by“ wird ordentlich aufgepeppt und auch das Bert Brecht-Gedicht „Ford“ muss als Vorlage für einen Song herhalten. Dass selbst Die Ärzte noch nicht alle Register gezogen haben, beweisen die Coverversionen von „Mach die Augen zu“ und „Kopfüber in die Hölle“, gegen die die Originale doch sehr sehr poppig wirken – ähnlich wie „Sex Beat“ von der Post-Punk-Band The Gun Club, dessen Tempo hier noch gesteigert wird.

Des weiteren covern die Berliner noch Stromsperre („Spaß muss sein“) und – sich selbst. Dies gelingt bei „La sociedad tiene la culpa“ (nicht zu verwechseln mit LA Confidential), einer spanischen Version des Intro-Songs „Die Gesellschaft ist Schuld“ gut, beim Dub-Remix von „Schöner Strand“. Dieses Stück ist aber auch das einzige, das zum wegzappen nötigt.

Auch der zweite Silberling der Doppel-CD glänzt nicht nur optisch. Der Tonträger mit „11 Punkcerealien“ ist gänzlich durchhörbar, auch wenn sich hier mit der Zeit die Underdogs ebenso wie bei der Single-Kollektion durchsetzen. „Mein Skateboard ist wichtiger als Deutschland“ ist mit der Zeit nicht nur durchgehört, sondern spricht einem auch jegliche Rebellion ab – diesen Song mag jeder.

Schwarz & Dunkel“ ist da nicht nur wesentlich besser zum Abgrenzen, sondern stellt auch den perfekten Soundtrack für die Post-Klimawandel-Ära dar. Und wo wir gerade beim Thema Ende sind, machen wir doch auch hier Schluss und schließen mit den Worten: great stuff, diese Platte.

Philip Aubreville

Terrorgruppe-Interview auf rezensor.tk